剪接的魅力
周新霞说，作为一个剪接师，一定要建构起自己的剪辑审美观。今天的剪接，是看你有没有胆量，用情绪裹着事情。
让影片死而复生“剪接医生” 因为这60集的电视剧卖不出去，制片人找到我 把过去的配角变成了主角。
我重新建制这个故事，不是说我有一个能力把它这么大地改变，我觉得是剪接技巧本身具备这样的能力，它有这样一个力量去改变叙事。
那么今天我想和大家分享剪接的思维和技巧。为什么我可以改变原来的故事？是因为我重新找到了这个片子的分量，我有了新的思维，同时我赋予了这个片子应该有的技法。所以让大家觉得这片子，可看了、能看了、好看了，而且被它的情绪所感染了。
找到片子的灵魂
剪一个片子从哪里开始创作？在我的感觉里面，我觉得首先要找到片子的灵魂。有人讲雕刻师是释放石头的灵魂，那么我觉得剪接师是释放素材的灵魂。
在剪接片子的时候，首先要看剧本在讲什么、导演拍来的素材可以剪什么，剧本和拍来的素材不是一回事。在拍摄的过程中，我们会遇到各种各样的问题，由文字变为影像的过程中也会有很多的变化，一个人对影像的感觉和另一个人对影像的感觉也是不完全一样的，就像文字谁来读都是这几个字，可是里面的含义每个人理解起来不一样。
理解和拍摄的问题，导致拿出来的素材一定是不一样的，而我们面对的是素材，我拥有怎样的素材，接着我去剪出一个怎样的故事。剧本只是一个蓝图，而这些素材是实实在在的、我可以用的布料，是决定未来故事非常重要的元素。
然后是你怎样看待这些素材，你怎样把有用的东西用上去，用到最合适的位置上去，释放出它的能量和灵魂。所以，一个剪接师要有全局的高度，站在这样的高度去看每一场戏。有了这样的高度，你才可以去选择每个镜头里面所拥有的元素是什么。
大家都拍过片子吧？在拍片的过程里面，一定是剧本一个想法，拍出来的东西就会有变化，面对变化的时候就会有些茫然。昨天，我给大四即将毕业的学生指导，我给了她一个方向，她就跟我讲：“周老师，我觉得我找到方向了，我觉得我有出路了。”结果剪着剪着，还是迷了。她看见了方向，但是手底下的技巧和功夫不到，那么就做不到，我说别急，到我的工作室来，我看着你剪。
想到、看到和做到还不是一回事，你得有一个技巧让你完成你想要完成的表达。你的想法和你拍来的素材不是一回事，在你有这样一个高度时，你都觉得有一些力不从心。如果你没有这样一个高度，一上来就拿着你拍来的素材去编，我觉得那就更不可能了。我看到过很多同学甚至修片子的剪接师，都没有抓住那一场戏的戏剧任务，只是把台词接下来了。
在很多时候，是你不可避免地被台词牵着走。其实，要避免这个问题，在我的感觉里，在之前要给自己一个方向，要给你的影片画一个情节走势图和做一个人物关系图，然后做一个人物关系的转折点，最后找到情节的转折点。你拿素材去找这些点时的候你就知道：什么地方够了，什么地方还缺东西，由这个桥段到这个桥段的过程中应该是怎样的人物变化、情节变化。如果素材上没有完成这种变化，那么拿什么方法去改变它，然后能把这两个桥段搭起来。
如果你心里面没有这个图形的话，你一定会被原有的素材带着走，这时候你自己都迷了，你也不知道该往哪个方向走了。
剧本是你写的，拍摄是你拍的，你觉得好像已经完成了你要表达的故事，但是请观众来看，他会说感受不到。我经常遇见这样的问题。你觉得你是这样写的，你是这样拍的，就应该是这样的，不对，镜头可能最终没有表达出来这个意思。我觉得要客观地去看待：你要表达什么，你的素材、你的剪接技巧是否完成了你要表达的东西。
要时时地、审慎地来质疑你的这个剪接是不是完成了表达，我觉得这个是需要训练的。
我遇到太多的人，别说咱们同学，就是市场上干活的导演也经常会这样。
我曾经遇到过一个很有名的导演拍的影片，他在国际上拿了很多的奖。我修改他影片的时候，还是胶片剪接的时代。我看片子的情绪不对，我觉得那场戏的戏剧任务不应该是这样。我就把片子打开来想修，那个导演正坐着呢，突然站起来趴在胶片上说：“周老师别动，我这个地方觉得挺好的。”
我问他想要表达什么。他就说了。我说：“对呀，我就是要给你修正到你要表现的，你现在没有这些东西。”他说：“不会吧，我就是这样拍的，我写的时候也是这样写的。”我说：“对，可是现在这个意思没出来，我给你修，修完你看，不行再改回来。”修完后，导演说：“哦，原来真的没表现出来呀。”
它是一个剪接技法，什么样的情绪，到怎样的位置上，有怎样的转换和镜头感觉的时候，才能表达出那样一个意思。作为一个导演，一定要时时地、审慎地去看你是不是表达出来了，作为剪接师，也是要一遍一遍审慎地去看片子，这个是需要锻炼的。
我遇到过很多的同学，剪一遍就觉得已经剪完了，我再让他去修改时，他会说：“老师，我剪完了”。我说，你的情绪还没有表达出来呢，那些坎，那些弯都没有表达尽。他们觉得镜头编上了就是完成了，不对，不是编上了就完成了，而是你要表达一个怎样的情绪，而那个情绪是否表达到极致了。
比如电影《敦刻尔克》。其中有一个情节，一个得了战争恐惧症的人，把小伙子给弄受伤了，其他人来了之后，也知道小伙子伤很重，已经去世了。而当那个人过来问：“你觉得他能挺过去吗？”船长的儿子看了他好半天、好半天、好半天，才说：“应该可以。”情节走势图
情节走势图
其实一部影视剧到一定的时候，我们是去找味道和风格。风格其实就是在台子上用技巧搭完成的。我会有几个片子跟大家分享风格的完成，在这之前，先来聊一下情节走势图怎么画出曲折和弯道。我们以《海上钢琴师》为例。
▲《海上钢琴师》片段
这个片子大家都看过吧，这么多年，这个段落依然很漂亮。这个片子就是讲一个叫1900的主人公，他从来没有下过船，他对艺术有很纯粹的感觉。所以当所谓的爵士之王谢利要跟他比弹钢琴，他不知道比赛是为了什么，也没把比赛当回事儿。直到谢利羞辱他的时候，他才真把功夫拿出来了。
如果我们说这个情节就是两个人在比赛，谢利弹一首，1900弹一首，两个人这样一人一首比出一个胜负，这片子好看吗？这片子就没有任何味道。所以这个时候，剪辑师就是创作者：你得知道这场戏的戏剧任务是什么、怎么完成这样一个戏剧任务。这其实象征了这个片子有怎么样的生动性、有怎样的味道。那么怎么样就有味道了？这个情节走势图应该怎么画？
首先，无论你怎么画，两个人物得做一个颠覆才能好看。颠覆的尺度越大越好看。下一步就是我们怎么才能够把观众引到沟里去，最后做一个反转。之后要考虑怎么来产生完成反转、制造悬念、并给观众在猜想之外的结局。
从情节走势图说起，应该是谢利高调地出场，让观众觉得他弹得的确好，第三首曲子演奏是那么漂亮，给观众一种“完了，1900一定是输了”的感觉。而最后1900用他的技法和音乐的感觉弹出第三首的时候，观众把他抬上来了。谢利的走势图，是走上去然后“哐”地掉下来的起伏。1900的走势图是一直往下的，观众一直为他捏一把汗，觉得他不行了，而到最后“哐”地上去，这样才好看。这是我们给他画出来的情节走势。
▲情节走势图
那么我们拿着什么镶嵌到这个图形里面去呢？我们有表演，有主要演员的表演，还有群众演员的表演。剪接师可以随便摆放群众演员的表演，没有规定必须放在哪。关键是在于这个图形里面把它放在哪更合适。
在我们这个图形里边，我要让谢利一上舞台弹得特别好。弹得特别好的时候，群众演员的表演里面都有哪些呢？跟着谢利弹琴特别开心，然后是眉飞色舞，然后是大家都听傻了——听众假发掉了，没感觉；雪茄掉在衣服上，衣服被燃起来了，没感觉，这是几个过程。如果我们一上来就把假发掉了却没感觉的画面放在谢利的第一首、第二首或第三首曲目弹奏时，行吗？显然不行。这是一个高潮点，这个点应该随着情节走势图到达最高点，才能够补衬高潮。因此这些群众演员的表演我们有了一个排列，知道该怎么安放他们。
之后是摄影的运动、摄影镜头的跳跃。电影本身就是一个影像艺术，影像的漂亮也要根据我们情绪的变化而变化。
第一首曲子演奏时，基本上是固定镜头为多，个别时候稍微运动一下。第二次比赛特别是谢利的时候，基本上都在运动。而1900的时候动得比较慢，没有那么灵动。摄影上最漂亮的运动给了谢利的第三首曲子。所以我们在看的时候会想：已经这么漂亮了，那1900你拿什么战胜啊？我们有了这样一种担心。
整个段落是以水涨船高的技法去完成的。不是说为了让1900取胜，它就把谢利压下来一点，让出那个位置。不是的，谢利已经是到那份上了，让观众都觉得完了，1900怎么才能够战胜他？在摄影上也是有了这么一个比例在里边。这个比例是拍摄之前，导演、摄影在镜头布置的时候、在力量分配的时候，就已经有的想法。
那么每一条和每一条一定是不一样的，剪接师他也有意识地把一个个的漂亮、有节奏的力量分配，给他布置和镶嵌在一个一个的点上。这是群众演员帮助剪接师，帮助我们的戏去完成我们刚刚说的那个情节走势图。
那么在情绪上，1900一开始就是觉得弹琴就是一个音乐的感觉，干嘛要比赛？为什么要比赛？是这样的一个心境。这个心境他是从哪开始变的？它有一个情绪变化的过程，这个情绪变化的过程非常重要。
我们在完成一个戏的时候经常说，结果重要，过程更重要。所以我们把情节走势图画出来以后，我们要找到那几个点，人物关系的点、情绪变化的点。他是从哪个点上开始觉得我得拿出真本事跟他玩了？是在谢利在侮辱他的时候，谢利说要让他屁股开花。剪接师给了一个什么样的镜头：别人都平静，唯有他，震惊了一下。他觉得这话太侮辱人了。这是第一个镜头。
震惊这一下以后，谢利弹奏的时候，1900第二个镜头是他表现得非常认真。在这之前，他就是感受音乐，甚至于谢利在演奏的时候他能感动得哭。这之后，他开始认真地感受对方：你到底有什么本事？你怎么处理每一个音符的？你怎么处理每一个情绪的？你的精彩在什么地方？你的漏洞在什么地方？第三个镜头的时候，1900在感受周边的人对这件事情的态度。
这些东西的综合因素让他完成了第三首曲子的构思。你看就这三个镜头，不是顺序的，是不时插进来，让你感受到了他的情绪和思维的这样一个变化。弹琴之前1900要了一根烟。前面他是非常感性的，没有觉得是一回事地感受音乐本身。直到那一下，他开始非常认真地对待。这个点就一个一个地给出来了。
最后是剪接师用特别的技巧，快切的、象征的手法，像是几只手同时在弹的那样的一个感觉。一直拿的是1900在弹奏的那个状态在进行表达。什么状态呢？音乐就是他的忘我状态。1900是用他的灵魂、用他的全部去感受音乐，去弹奏音乐。这与谢利是不同的两个境界，而把他的境界弄出来了，所以他战胜了。
剪接师还用了另外一个技巧：让全场傻掉，这用了两次。第一次是谢利走进来，跳舞的人一个、两个、三个、四个都停下来，所有人都在注目他。这时候剪接师用的技法叫延宕。这个延宕是什么意思？就是说本来谢利走进来几秒钟完成了，但是为了要把这个事情、情绪做大，就把这个空间延长了，一个、两个、三个、四个人的停下来，把这个空间就做大了。
同样这个技巧又用在了1900身上。1900弹完第三首以后有多长时间的停顿？超长的，一分多钟，全场都傻了。这个是不一样的一个停顿，我刚刚说像敦刻尔克停了那么长时间才回答“应该可以”的停顿，我们已经觉得很有意思了，那个情绪已经打到我的心里去了。可是这个停顿，是用了一分多钟，是把观众听傻掉了的那个情绪，靠延宕这个剪接技巧表现出来。
你看他有多少技巧。先是有一个思维方法把情节走势图画出来，这只是一个蓝图，是一个想法。然后这个蓝图是要用你的技法去完成的。然后是分布力量，力量有摄影镜头的力量的分配，有群众演员的力量的分配，这些力量都镶嵌到了必须的位置上去。
有人说，剪接师是什么？剪接师是一个最懂得把镜头放在哪的人。如果我们把最好的镜头换一个位置放到谢利那去，或者是再往前放，一下就乱了，观众在看的时候，会弄不清你到底需要表达什么、到底是谁是那个最好的。创作者的态度乱了。现在他有了这样一个很有条理的力量分配，把镜头放在必须的那个位置上，使得这个戏里的线索、线条非常清晰。我们也看得特别清楚。
同时这里面还有一个摄影的技巧我觉得也用得非常漂亮，就是谢利刚一进来的时候，有像神一样的一个大剪影。最后这个剪影给谁了？给1900了，大家把他抬起来以后，他的影子也投射在谢利的那个位置上去。剪接师把对称和对位用得特别好。
而这些都是因为先有了一个情节走势图，然后才有了这些力量分配，然后再把镜头放在必须的位置上，才有了这样的一个生动、清晰的表现。所以剪接师不是随便把镜头接起来，而是你先要有一个想法：这场戏的戏剧任务是什么？那个魂是什么？先挑出来，然后去画它的情节走势图，然后再去找它的技巧。这几个一定是全部，缺哪一个都完不成这样一个漂亮的剪接。
所以作为一个剪接师，你既要有剧作的知识、文学的修养、电影文化的修为，然后还要有技法，你才可以把你的镜头、你的戏，剪得那么有滋有味。剪接是你用怎样的一个情境、用怎样的情绪，用什么技法传达的问题。技法就是有这么重要的这样的一个功能。
不同风格影片的不同技法
不同风格影片的不同技法
技法还能形成不同影片的风格。比如侯孝贤就是现实主义的风格，有人说他的电影很闷，你看的时候会觉得，这跟我看到的生活没有什么两样啊！但你看着看着，你会觉得被深深击中了，或者说他的感觉进入到了你的骨髓，导致你去用他的感觉去感受你的生活；同时也有像敦刻尔克，血战钢锯岭这种商业片。
